INTERVIEW WITH FEDERICO GALVANI – Motion Design, Stop Motion, Visual Art and a lot more…

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INTERVIEW WITH FEDERICO GALVANI – Motion Design, Stop Motion, Visual Art and a lot more!!!

 

Federico Galvani teaches motion design at the University IUAV of Venice and he is a founder of the multidisciplinary laboratory “Happycentro” where he works on art direction, graphic design, visual identity, illustration, modeling in clay and paper, printing, and directed animation. This studio works for famous brands or small startup and uses several methods of communication: Stop Motion Animation, TV / web commercials, Packaging, Visual Art, Typography, Graphic Design and Music Videos.

The main technique that reflects the style and the way of working of “Happycentro” is the stop motion because it is the synthesis of what we have always done, build objects, puppets and backdrops of various materials, combining illustration and graphic design and set up the set and lights for the photo shoots.

Intervista Galvani

 

 

 

Prof. Galvani, what is the origin of the name “Happycentro”? Has  it a special meaning for you?

It is an invented word, this is an assonance with Epicentre. The idea is that we want to have fun designing, we want that the fun is the epicenter of our creativity.

How did “Happycentro”? Have you noticed in the air the need for a place where different personalities could join their ability to cooperate together?

It born at school.

Me, Garonzi and Giuliano, who now lives and works in Sweden, we were classmates. The first projects and the name born there.

It was 1997, already in the 98 it has become more serious, then was formed a company in 2002 after a period spent doing freelance.

Since then the study has changed often, and as organic as the basis … always on the move, while remaining within a few kilometers, then loyal to the urban dimension of our city, Verona.

Happycentro

Everyone manages its own field or they influence each other?

Each of us has specialties but always everyone gives his contribution to the projects. Someone suggested the idea of ​​”pollination” instead of “contamination”. In fact a more positive outlook.

The type of studies that you have done is critical, or is the experience that led to better your skills, or the union of the two?

The kind of study, as well as all other experiences, both work and life, together contribute to the training of the individual and of the designer. We are an expression of our previous experience, we have also designed a work of several years ago, that was our first published internationally. You see it here:

https://www.behance.net/gallery/231027/Cosa-ce-dentro-un-disegnatore-grafico-italiano

As for the practical work, some experience can make up for many technical deficiencies and / or training. We often say that what you do when you study, you learn how to learn, because the formula is more useful to be spent later. Some of us are not doing exactly what they  studied but perhaps having learned a method, they have then been able to spend in totally new directions.

As you might define your style? They are producers of animations which take inspiration?

Everything inspires us, not only what is strictly close to our world, indeed. There is more inspiring than a pattern Burda, an old vinyl record, a few pages of a worn-volume encyclopedia that a self field.

About the style, if you mean the output, that is the aesthetics of our design, perhaps say no. In the sense that it is not something exactly defined. It is changing. In fact it is the project that seeks an interpretation and according to this logic, each project would take its logic.  Then we do not like to do something twice, in the same way. There is definitely a constant, and if it must be, so this somehow defines a style; It is in the approach to the problem of communication and actions, the method used to find design solutions.

What are your rate of work?

We work hard because we are and we want to stay a small group. Well said! “Bottega”. I love this definition; that you can read on Wikipedia seems perfect for us, especially now that we have moved in a former grocery shop (“Bottega” is a small shop, usually facing the public street and consists of an environment to the sale and an adjacent workshop where we work the goods.).

We are a little artisan “bottega”, I would say this defines us in an appropriate way.

Your work space can be likened to a space of cooworking?

No. We come from a reality of this type but practiced about 15 years ago, when I still had not taken all this mythology.

It worked though, a lot of beautiful collaborations were born that are still part of our daily lives. In this sense there was a bit of a pioneering attitude. Even then, as now, moreover, the result of necessity, rather than a desire to innovate at all costs.

Which is the project that best represents you? Why?

In some ways, at least for me personally, the one mentioned earlier, is particularly significant. It was just a n o- commercial project, which spoke of something intimate even, of their personal experiences (as we said before) that was the first major opportunity for international exposure. From that research came, a bit of time later, the first international project on commission.

Then each project, for one reason or another, says a lot about us. To name a few: Swatch for as manic work of preproduction, animation and sound design product, the origami to LouisVuitton, because we had never put so many ennobling of a single piece of paper, Fendi – Hands Make Beauty storytelling, because It is our first foray into video in high fashion.

Which was the client who has imposed no limits? For you, is helpful to have the design limits or prefer to be free to design?

It is free, perhaps the artist who, more than once, but conceptually, even today, can create without being accountable to the client …

We do a different job, we are designers. Bruno Munari wrote “the designer tries to create the object with the same ease with which things in nature are made […] tries to be objective, helps the object to be formed by their own means.”

We try to do this and to do that it seems essential to take into account the existing structures, as is done or should be done in architecture.

Limits are not obstacles but theyare support points for a good solid design.

Which tools did you use to make the video “Flik Flak 2014 Winter Tales”? Was it complex to create a virtual model of your “puppet”?

The 3D design is necessary to study the focal shooting and to properly size all the elements of the scene. Once we obtained all the information we switched to laser cutting. All objects are made of wood of 3 mm thick.

flikflak_scatto4

 

 

 

 

 

 

 

 

 

flikflak_making2

Which technique do you prefer for creating these puppets?

These models are not so complex, we imagined that their movements should be minimal, almost gear clock. We choose how to animate it according to the script, the scene and the material with which is made the object of the scene.

In the “Flik Flak 2014 Winter Tales” backstage video we noticed that for object was made a  three-dimensional modeling , followed by laser cutting. Was it simple create them?

Laser cutting is very precise and reproduces well the design provided. It is this which must be accurate but in this case was not complex; although we got the three-dimensional objects, originally they were designed as two-dimensional. Nothing too different from the vector drawing.

What about the light? For example, in the video “Flik Flak 2014 Winter tales”, in the 0:25 second there is a reflection on the glass of both clocks. How did you got this reflection without affecting the settings of light in the scene background? In addition, between 00:38 and 00:39  second there is a sudden change of shot that shoot both clocks and the background. How was it possible to obtain this movement?

Although we are not wizards of post production and indeed, we like to use it as little as possible, even if it means sometimes deliberately show any tricks (wireless, media, etc.), in some cases we use computer graphics to add those details that would be too complex or expensive to obtain.

https://vimeo.com/116655407  Flik Flak 2014 Winter tales

https://vimeo.com/116654468  Making of Flik Flak 2014 Winter tales

Why do you use the technique of stop motion?

Therefore. If we always refer to the project Flik Flak, we did not use this technique. It’s all made in live action. The puppets have been designed with small levers that allowed us to animate them in the live scene. In some cases it was necessary to work in post production to remove the tricks.

The stop motion is a technique that we use often though. There is more natural because we say is the synthesis of what we do: building puppets, objects and backgrounds made of various materials, combining illustration and graphic design; stage set and lighting; photograph … and put it all on a timeline by adding the MUSIC and the sound design, which is another of our passions.

Among the works on the website of Happycentro we noticed the video “Vita Nova – Domo sapiens”. We suppose that for the making of this work, it has been taken more than a day, and we wondered, in fact, how to get a stop motion of high quality it is necessary to always have the same settings for the framing and lighting, as you They managed to maintain this condition during the duration of the shoot?

I do not remember exactly but I think the filming, then only the animation in photographic studio, lasted about 3 or 4 days, not more. It was all well-designed and calculated before.

For the technical question.

These productions are made by mounting the machine on a solid stand, in our case one pole stand.

Once you have placed the machine you do not need to touch it anymore. Shooting in remote, interfacing the machine with a computer and shoot from there, to avoid altering in the position of the camera. Even the focus and everything else you can manage it remotely.

For the lights the same. It works with continuous lights, not using the flash, designed for this use are therefore very stable. Then a flicker of light, there is always a bit but that is sometimes a mechanical limit of the objectives. This is the reason why it is important to work with a quality lens.

Nova

https://vimeo.com/44301446   “Vita Nova – Domo sapiens”

We used this technique also for some parts of the work of Fendi, to celebrate its 90th anniversary.

fendi_Sfilata_Cropped

 

 

 

 

 

 

fendy_sb4

https://vimeo.com/110914592   FENDI Hands Make Beauty

You spoke often about the sound and we wondered in which way you can obtain it. We recently studied as in the field of cinema and television takes place (for example the simulation of the head split in Gomorrah using a watermelon, or using online bookstores). How do you manage the sound?

Yes what you have described is a method.

We call it “Foley” this practice allows recording sounds designed ad hoc. If you take a look on Vimeo the clip for Bormioli, there has been used this technique.

https://vimeo.com/116846050  Bormioli – Christmas Countdown – 7 december

In general , since each project is the result of a team effort, we are very keen to publish all claims.

On the website, on Behance and Vimeo, you can see the credits for the project Santoni , Swatch, Bormioli fact, Fendi, etc.

For projects of a certain complexity, and with the right budget, always we involve other artisans … of sound in this case. To record sounds or to write the scores.

Alternatively, there are always a lot of online library, where you can find pretty much everything.

It depends in fact. La Vita Nova for example, all the sound design was produced by me, by recording the sounds of Lego bricks and then mounting them on the pictures.

Normally I use, a little ‘improperly, Ableton Live. It serves mainly to make another but is fine for these things.

In your projects, how do you choose the colors and how they related? Do you use a storyboard? Where do you take the inspiration to design and implement your video?

I spoke before about method, process which definitely includes the storyboard but before the script, then the animatic and everything else.

Nothing happens casually, unless of course the creative flashes in the second half but they are always very controlled.

What would you like to design that you have not done? Is there a project you would like to start or a collaboration with others studios?

Well, I like we music, we’ve done some interesting things but we would like to do it more often.

We are interested for several reasons even in architecture, is fascinating the idea of ​​being able to mix disciplines and expand the fields of design in space.

In your work there are various international clients. What differences have you noticed between the Italian market than foreign? In this way, does your working method changes depending on the customer?

The method never changes, we try to respect it as much as possible and we fight to do it.    When they call us from abroad we find someone who has more familiarity in managing things at a distance and practice with international collaborations precisely. This sometimes makes it all a bit more smoothly, meaning that if they call you from a distance, it means that they want you.

Whatever happens, are always people to make a difference, unfortunately in some cases, and fortunately in many others.

So whether it’s a big company or a start-up, the dynamics may be the same or even unexpectedly differing from expectations.

 

 

Working Group: INSIDE OUT

Authors: POLLINA Flavia Beatrice, ROLLO Manoj, SOLLI Elena

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ITA (Read it in English)

INTERVISTA CON FEDERICO GALVANI – Motion Design, Stop Motion, Visual Art e molto altro!!!

 

Federico Galvani è docente di motion design presso l’università IUAV di Venezia ed è uno dei fondatori del laboratorio multidisciplinare “Happycentro” dove si occupa di direzione artistica, graphic design, identità visiva, illustrazione, modellazione in carta e plastilina, tipografia, regia e animazione. Questo studio lavora per famose marche o piccole startup e utilizza diversi metodi di comunicazione: Animazione Stop Motion, Tv/web commercials, Packaging, Visual art, Typography, Graphic design e Video Musicali.

La tecnica che più rispecchia lo stile e il modo di lavorare di “Happycentro” è lo stop motion perchè è la sintesi di ciò che fanno da sempre, costruire oggetti, pupazzi e fondali con materiali vari, combinando illustrazione e graphic design e allestire set e luci per le riprese fotografiche.

Intervista Galvani

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Prof. Galvani, da cosa nasce il nome “Happycentro”? Ha un significato particolare per lei?

Si tratta di una parola inventata che viene dall’assonanza con Epicentro. L’idea goliardica degli inizi, vera tutt’oggi era de è che vogliamo divertirci progettando, vogliamo cioè che il divertimento sia l’epicentro della nostra creatività. Scusa l’appunto ma ci teniamo molto… in realtà lo capiscono in pochi e lo sbagliano in molti.

Come nasce “Happycentro”? Avete avvertito nell’aria l’esigenza di un luogo in cui personalità differenti potessero unire le proprie capacità per cooperare insieme? 

Nasce sui banchi di scuola.

Io e Giuliano Garonzi, che ora vive e lavora in Svezia, eravamo compagni di classe. I primi progetti e il nome nascono lì.

Era il 1997, già nel 98 la cosa si è fatta più seria, poi è stata costituita una società nel 2002 dopo un periodo passato a fare i freelance.

Da allora lo studio è cambiato spesso, sia come organico che come base… sempre in movimento, pur rimanendo sempre nel raggio di pochi chilometri, quindi affezionati alla dimensione urbana della nostra città, Verona.

 

Happycentro

Ognuno si occupa delle proprie mansioni oppure vi contaminate continuamente?

Ognuno di noi ha delle specialità ma i progetti nascono sempre dando tutti un contributo. Qualcuno ci ha suggerito l’idea di “impollinazione” invece che “contaminazione”. Di fatto una visione più positiva .

Il tipo di studi che avete fatto è fondamentale oppure è l’esperienza che ha determinato meglio le vostre capacità, o l’unione dei due?

Il percorso di studi, così come tutte le altre esperienze, sia lavorative che di vita, concorrono insieme alla formazione dell’individuo e così del progettista. Siamo espressione delle nostre esperienze precedenti, lo abbiamo anche disegnato in un lavoro di parecchi anni fa, che è stato la nostra prima cosa pubblicata a livello internazionale. Lo vedi qui:

https://www.behance.net/gallery/231027/Cosa-ce-dentro-un-disegnatore-grafico-italiano

In quanto alla pratica del lavoro, certo l’esperienza può supplire tante lacune tecniche e/o di formazione. Diciamo spesso che quello che fare quando si studia, è imparare a imparare, perché è la formula più utile da spendersi poi. Alcuni di noi non stanno per altro facendo esattamente quello per cui hanno studiato ma avendo forse appreso un metodo, lo hanno poi saputo spendere in direzioni del tutto nuove. Divertendosi ad imparare ancora.

Come si potrebbe definire il vostro stile? Vi sono dei produttori di animazioni da cui prendete ispirazione?

Tutto ci ispira, non soltanto cose strettamente vicine al nostro mondo, anzi. Ci ispira di più un cartamodello Burda, un vecchio disco in vinile, qualche pagina di una consunta enciclopedia a volumi che un ambito autoreferenziale.

Circa lo stile, se intendi relativamente all’output, cioè all’estetica della nostra progettazione, forse risponderei di no. Nel senso che non è una cosa esattamente definita. È mutevole. Di fatto è il progetto che pretende una sua interpretazione e secondo questa logica, ogni progetto vorrebbe la sua. Poi non ci piace fare due volte una cosa, nello stesso identico modo. C’è sicuramente una costante, e se dev’essere, questa sì definisce in qualche modo uno stile; sta nell’approccio al problema di comunicazione e le azioni, il metodo, usato per trovare le soluzioni progettuali.

Quali sono i vostri ritmi di lavoro?

Lavoriamo sodo perché siamo e vogliamo rimanere un piccolo gruppo. Dici bene BOTTEGA. Mi piace molto questa definizione; quella che si può leggere su Wikipedia mi pare perfetta per noi, soprattutto ora che ci siamo spostati in un ex bottega di generi alimentari (La bottega è un piccolo esercizio commerciale, generalmente affacciato sulla pubblica via e composto da un ambiente deputato alla vendita e da un adiacente laboratorio artigianale dove si lavorano le merci.).

Siamo proprio una piccola bottega artigiana ecco, questo direi ci definisce in maniera sufficientemente appropriata.

Il vostro spazio lavorativo può essere paragonato ad uno spazio di cooworking?

No. Veniamo da una realtà di questo tipo ma praticata circa 15 anni fa, quando ancora non aveva ancora assunto tutta questa mitologia.

Ha funzionato comunque, sono nate belle collaborazioni che fanno parte ancora del nostro quotidiano. In questo senso c’è stato un po’ un atteggiamento pioneristico mi fa piacere riconoscere. Anche allora, come oggi del resto, frutto di necessità, più che per desiderio di innovare a tutti i costi.

Qual è il  progetto che meglio vi rappresenta? Perché?

Per certi versi, almeno per me personalmente, quello citato poco prima, è particolarmente significativo. È stato proprio un progetto NON commerciale, che parlava di qualcosa di intimo anche, delle proprie esperienze personali (come dicevamo prima) che ha rappresentato la prima importante occasione di visibilità internazionale. Da quel progetto di ricerca è arrivato, un po’ di tempo dopo, il primo progetto internazionale su commissione.

Poi ogni progetto, per un motivo o per l’altro, dice molto di noi. Per citarne alcuni: Swatch per tutto il maniacale lavoro di preproduzione, di animazione e di sound design prodotto, l’origami per LouisVuitton, perché non avevamo mai messo così tante nobilitazioni su un singolo foglietto di carta, Fendi – Hands Make Beauty storytelling, perché è il nostra prima incursione video nell’alta moda.

Quale è stato il committente che vi ha imposto più limiti? Per voi/ te è utile avere dei limiti di progettazione o preferite/ preferisci essere libero di progettare?  

È libero forse l’artista che, magari più un tempo ma concettualmente, ancora oggi, può creare senza rendere conto alla committenza…

Noi facciamo un lavoro diverso, siamo dei progettisti. Bruno Munari scriveva “il designer cerca di costruire l’oggetto con la stessa naturalezza con la quale in natura si formano le cose […] cerca di essere oggettivo, aiuta l’oggetto a formarsi con i propri mezzi”.

Si cerca di fare questo e per farlo pare indispensabile tener conto delle preesistenze, come si fa o si dovrebbe fare in architettura.

I limiti non rappresentano quindi dei paletti da dribblare ma punti di appoggio per una buona e solida progettazione.

Che strumenti avete utilizzato per poter realizzare il video “Flik Flak 2014 Winter Tales”? È stato complesso creare il modello virtuale delle vostre “marionette”?

Il progetto 3d c’è servito per studiare le focali di ripresa e per dimensionare correttamente tutti gli elementi della scena. Una volta ricavate tutte le informazioni utili siamo passati al taglio laser. Tutti gli oggetti sono realizzati in compensato di legno da 3 mm.

flikflak_scatto4 flikflak_making2

Che tecnica prediligete per la creazione di queste marionette?

Questi modelli non sono poi così complessi, avevamo immaginato che i loro movimenti dovessero essere minimi, quasi degli ingranaggi di orologio (non a caso). Ogni volta poi, a seconda dello script, della scena o del materiale con cui è realizzato l’oggetto di scena, si sceglie come animarlo.

Nel backstage di  Flik Flak 2014 Winter Tales si nota che prima realizzate la modellazione tridimensionale degli oggetti, seguita dal taglio con laser delle stesse. È stato semplice realizzarle?

Il taglio laser è molto preciso e riproduce bene il disegno fornito. È questo che dev’essere accurato ma in questo caso non è stato complesso; anche se abbiamo ottenuto degli oggetti tridimensionali, inizialmente sono stati disegnati come bidimensionali. Niente di troppo diverso dal disegno vettoriale.

Come viene gestita la luce? Per esempio, nel video Flik Flak 2014 Winter tales nel secondo 0.25 c’è un riflesso sul vetro di entrambi gli orologi. Come si è ottenuto questo riflesso senza condizionare le impostazioni di luce della scena di sfondo? Inoltre, tra il secondo 0.38 e 0.39 c’è un improvviso cambio di inquadratura che va a riprendere sia gli orologi che lo sfondo. Come è stato possibile realizzare questo movimento?

Anche se non siamo dei maghi della post produzione e anzi, ci piace usarla il meno possibile, anche a costo di mostrare talvolta volutamente eventuali trucchetti (fili, supporti o altro), in alcuni casi ci si aiuta con la computer grafica per aggiungere quei dettagli che in ripresa sarebbero troppo complessi o dispendiosi da ottenere. Questa la soluzione adottata per i momenti da te evidenziati.

https://vimeo.com/116655407  Flik Flak 2014 Winter tales

https://vimeo.com/116654468  Making of Flik Flak 2014 Winter tales

Perché utilizzare la tecnica dello stop motion?

Dunque. Se ci riferiamo sempre al progetto Flik Flak, non abbiamo utilizzato questa tecnica.  È tutto realizzato in live action. Le marionette sono state progettate dotate di piccole leve che ci consentivano di animarli in scena live. In alcuni casi è stato necessario lavorare poi in post produzione per rimuovere i trucchi.

La stop motion è una tecnica che usiamo spesso comunque. Ci è più naturale diciamo perché rappresenta la sintesi di ciò che facciamo da sempre: costruire pupazzi oggetti e fondali con materiali vari, combinando illustrazione e graphic design; allestire scene e luci; fotografare… e mettere tutto su una timeline aggiungendo la MUSICA e il sound design, che è un’altra delle nostre passioni.

Tra i lavori presenti sul sito internet di Happycentro abbiamo notato il video “La vita Nova – Domo sapiens”. Immaginiamo che per la realizzazione di questo lavoro sia stato impiegato più di un giorno e ci chiedevamo, infatti, dato che per ottenere uno stop motion di alta qualità è necessario avere sempre le stesse impostazioni per l’inquadratura e per l’illuminazione, come siete riusciti a mantenerle tali durante tutta la durata delle riprese?

Non ricordo con esattezza ma credo che le riprese, quindi solo l’animazione in sala di posa, sia durata circa 3/4 giorni, non di più. Era stato tutto ben progettato e calcolato prima… dovevamo solo girare e smontare.

Quanto alla domanda tecnica.

Queste produzioni si fanno montando la macchina su un solido stativo, nel nostro caso uno stativo a colonna. Scorrendo un po’ i nostri making capiterà spesso di vederlo in scena.

Una volta piazzata la macchina non la si tocca più. Si scatta in remoto, interfacciando la macchina con un computer e si scatta da lì, di nuovo per evitare di alterare in nessun modo la posizione della camera. Anche il fuoco e tutto il resto lo si può gestire in remoto.

Per le luci la stessa cosa. Si lavora con luci continue, quindi non con i flash, non sono diverse dunque dalle luci neon ma sono progettate per questo utilizzo quindi sono molto stabili. Poi un leggero sfarfallio della luce c’è sempre un po’ ma quello è talvolta un limite meccanico degli obiettivi. Ragione per cui è importante lavorare con un obiettivo di qualità.

Nova

https://vimeo.com/44301446   “Vita Nova – Domo sapiens”

Abbiamo usatoquesta tecnica anche per alcune parti del lavoro per Fendi, per celebrare il suo 90° anniversario.

fendi_Sfilata_Cropped fendy_sb4

https://vimeo.com/110914592   FENDI Hands Make Beauty

Ha parlato spesso del suono e ci siamo chiesti con quale tecnica venga ottenuto. Abbiamo studiato da poco come nel campo cinematografico e televisivo si realizza (per esempio la simulazione della testa spaccata in Gomorra usando un anguria, o usando librerie online). In che modo gestite il suono?

Sì quello che hai descritto è un metodo.

Lo si definisce “Foley” questa pratica di registrare dei suoni pensati ad hoc. Se riguardi su Vimeo le nostre clip per Bormioli, lì è stata usata questa tecnica.

https://vimeo.com/116846050  Bormioli – Christmas Countdown – 7 december

I suoni sono tutti “barattolosi”.

In generale poi, siccome ogni progetto è di fatto il risultato di un lavoro di squadra, ci teniamo molto a pubblicare tutti i crediti.

Sul sito, su Behance e Vimeo, si possono vedere quindi i crediti per il progetto Santoni (dove la musica da alle immagini una profondità che altrimenti non avrebbero), Swatch, Bormioli appunto, Fendi, ecc.

Per progetti di una certa complessità e con il budget giusto, coinvolgiamo sempre altri artigiani… del suono in questo caso. Per registrare dei suoni o per scrivere delle partiture.

In alternativa, ci sono sempre un sacco di library online, dove si può trovare davvero di tutto.

Dipende insomma. Per La Vita Nova per esempio, tutto il sound design è stato prodotto da me, registrando i rumori dei mattoncini Lego e poi montandoli sulle immagini.

Normalmente utilizzo, un po’ impropriamente, Ableton Live. Serve principalmente per fare altro ma va benissimo anche per queste cose.

Nei vostri progetti, come scegliete i colori e come li associate? Utilizzate uno storyboard? Da dove nasce l’ispirazione per disegnare e realizzare i vostri video?

Parlavo prima di metodo, di processi. Nel nostro, tra i vari c’è sicuramente lo storyboard ma prima lo script, poi l’animatic e tutto il resto.

Nulla succede per caso lì per lì, salvo ovviamente i guizzi creativi in ripresa ma che sono sempre molto controllati.

Parlando di progettazione e non di gesto artistico fine a se stesso, ogni idea ha un fine, una funzione e dev’essere in questo senso ben escogitata. Sull’ispirazione come già detto, non si esclude nulla, non sai cosa possa portarti alla soluzione giusta. Spesso la prima idea è quella buona, il resto del tempo lo passiamo a verificare se è effettivamente così.

Cosa vi piacerebbe realizzare che ancora non avete fatto? C’è un progetto che vorreste iniziare o una collaborazione che vorreste stringere?

Beh, amiamo molto la muscia, abbiamo già fatto alcune cose interessanti ma ci piacerebbe poterlo fare più spesso.

Ci interessa per più motivi anche l’architettura, ci affascina molto l’idea di poter mescolare le discipline ed estendere i campi della progettazione anche nello spazio.

Abbiamo notato che tra i vostri lavori ci sono vari clienti internazionali. Che differenze avete notato tra il mercato italiano rispetto a quello estero? In questo senso il vostro metodo di lavoro cambia a seconda del cliente?

Il metodo non cambia mai, cerchiamo di rispettarlo il più possibile e ci battiamo perché venga rispettato.

In generale le relazioni di lavoro e i progetti non si sviluppano in maniera troppo diversa, c’è un fattore discriminante comunque.

Quando ci chiamano dall’estero troviamo qualcuno che ha maggiore dimestichezza nella gestione delle cose a distanza e pratica con le collaborazioni internazionali appunto. Questo rende talvolta tutto un po’ più scorrevole, nel senso che se ti chiamano da lontano, vuol dire che vogliono proprio te e c’è maggiore disponibilità ad assecondare certe richieste.

Comunque vada, qui o altrove, sono sempre le persone a fare la differenza, purtroppo in alcuni casi e per fortuna in molti altri.

Quindi che si tratti di una grossa compagnia o di una start up, le dinamiche potrebbero essere le medesime o addirittura inaspettatamente difformi dalle aspettative.

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